ff studio

談起接觸聲音的記憶，小時候沒有其他兄弟姊妹，左興在家裡常常是處於發呆的狀態，還會拿錄音機把自己的聲音錄下來。國中開始會買，高中是他最愛買唱片的時期，那時候也是唱片的黃金時期，他接著拿出一張很有紀念意義的卡帶，「我從國中就很喜歡麥可．傑克森，之前搬家有清掉一些，沒想到竟然有把《History》留下，我連CD都買了」，那個年代很多人家裡都會有的是，一台可以播放CD跟卡帶的組合式床頭音響。

小學原本是音樂班，主修鋼琴，後來轉到普通班，就一直是班上鋼琴彈得最好的人。左興笑說「因為唱歌唱得很爛，一直到高中，每次合唱比賽都是我彈伴奏」，某次高中導師要他用班費買空白卡帶，把合唱曲子的伴奏單獨錄下來，然後拷貝給班上每一位同學，那時候才知道——要不彈錯音，好難！

左興也是小提琴演奏家，在幫準備出國比賽，或申請國外甄選的學生錄音時，這也是相較於其他錄音製作人，對他來說比較容易的原因，「無論是在演奏或錄音，這兩個不同角色的立場跟心境，我都完全可以理解」，即使有現場錄音，舞台上主要面對的是觀眾，而在錄音室裡遇到的挑戰是——不要出錯。有些時候，演出時稍有失誤，若能不受影響，轉而更加專注，想辦法表現得更好，還是有機會能去挽回觀眾的心。

左興笑說「期盼那些失誤，會在之後某個瞬間被觀眾遺忘，但錄音不是，錄錯的話，你聽一千遍就是錯一千遍」，錄音帶給人的壓力其實是更不舒服的。「尤其是錄古典的曲目，你怎麼去接觸音樂，會影響你怎麼去切入，視角就是不一樣」，甚至不同樂器主修，耳朵聽到的東西也不一樣。

「觀眾進來後，那個能量就不一樣。」左興說的是，前陣子與世界知名的大鍵琴大師：皮耶．韓岱 Pierre Hantaï 合作的經驗。無論在彩排或是錄音，皮耶會把他對自己的信心喊話或失誤時的反應，當下用法文或英文直接飆出來：「要專心」「不可以再錯了」「可惡」——這些音樂家在觀眾進場之後，會變得更專注。作為錄音師， 有很多機會看到這些，左興開玩笑說，很想把那些「信心喊話」錄下來，收錄成專輯當中的 Bonus，應該會很有趣。

細數過往的錄音經驗，「每次與不同的演奏家合作時，總能看見他們不為人知的一面；然而，有些音樂家的確不適合錄音，應該這麼說，他們之所以能成為有名的演奏家，都是在現場（演奏），而不是錄音的淘汰機制下出來的」。反之，不能適應現場（演出）的人，在職業比賽或音樂會上聽不到，自然而然也不會知道他們的存在。

當然，在藝術的世界裡，總有一些例外，而且是獨一無二的那種，「像是顧爾德，從三十多歲之後就停止舉辦音樂會，轉向錄音或其他形式」左興提到，音樂家最基本的除了演奏能力，其實也要能具備對空間的掌握，這裡說的「空間」，是指對空間的音響效果、空氣、濕度，甚至觀眾進場後，根據這些影響聲音傳導的因素，來調整演奏的方式。

疫情之後，線上錄音的需求變多，過去申請國外的學校或比賽，不管哪一輪都必須到現場考，但因為疫情，學校招生不得不改為線上，甚至到最後一輪也是在線上；相對來說，就是要強迫校方處理技術面等挑戰，當然也有校友開始持不同意見，反對甄選的最後一輪是採線上進行。而一些歐洲或國際的比賽也是改成線上，技術面上還算有克服。

「我無法保證他們的程度或表現，但至少能在錄音的品質上推一把」。攝影跟錄音一樣，不要拍得奇奇怪怪，稍微打個光，讓色溫和光是平衡，不需運鏡，也不用調出文青感的色調。「我只是讓他們的演奏，能有正確的呈現， 奇不奇怪，這點還是跟審美觀有關係。」他自謙，自己錄的當然也會有盲點，但這一點在接觸更多客戶之後，就會慢慢地消失。

跟不同的人合作，你就會看到不同的東西。跟樂團指揮談「管弦樂法」——全台灣有哪一個錄音師能夠跟你聊「管弦樂法」——或甚至是爵士樂手談聲音錄製的空間感，一邊聽著不同錄音製作的版本比較，左興用很簡單明瞭一句話來闡述「錄音，沒有所謂的技術。技術其實是在於你的思想和審美觀」，期待 ff studio 未來能帶給我們更多優質的錄音作品。

為了練習後的檢討精進、想透過音樂傳遞能量給他人、考試與比賽甄選的交件、Demo帶、專輯製作、音樂會紀錄等等，種種原因使人們想要或需要將聲音錄下。疫情的衝擊改變了藝文產業的運作模式及聽／觀眾們的生活型態：期待回歸實體舞臺之餘，線上課程、線上甄選、線上音樂會開發了更多表演形式的可能性，為提供最良好的感官體驗，對於錄音／混音的需求更是日益劇增。

「在這個時代要涉略多一點。音樂和錄音技術是完全不同領域的學科，兩者在音樂呈現上卻有共同點。」對於現代音樂家學習錄音及混音是否必要一事，左興老師說出他的看法：「涉略越多技術能讓自己更有競爭力，如果錄音的人完全不懂音樂會執行不了工作；（如果音樂人）對錄音有概念，當然是好的。」

〈線上宅學樂〉課程第三回，有幸邀請到 ff studio 錄音室總監兼米特薩克斯風重奏團於2018年發行首張同名專輯的操刀人——左興，為大家揭開錄音、混音的工作面紗，並以錄音師的角度切入，說明演奏者在錄音時常遇到的問題。

在此之前，左興老師先介紹了何謂錄音及混音。

錄音，即到麥克風前將所發出的聲音透過機器錄下來的過程。在現今這個數位化的時代，已記錄的訊號將以數位化的形式存在一個空間中。

混音，可想象成是將拍攝用的底片帶至暗房冲洗出來的過程，將一軌或多軌的聲音整合在一起，利用等化器或效果器等調整音軌平衡，使音樂呈現出各式各樣的風貌。「就如料理、美感的呈現，每個人做出來的都不一樣。」

恰好在場多為對錄音、混音仍頗為陌生的年輕學子，本場講座先由學習混音最重要的工具切入主題。初學者們最容易忽略，門檻稍微高、但對混音學習卻有舉足輕重影響的是——良好的監聽條件。監聽條件會影響混音師對聲音的判斷，在不同的監聽條件之下會導出不一樣的聲音調整方向。大家或許會有一個疑問：觀察錄音、混音大師們工作時可以用不怎麽好的設備混出很棒的聲音，混音的好壞是否也並非一定受設備影響呢？

對於這個提問，左興老師點出此疑問的盲點所在：音樂演奏、混音等的學習基礎得建立在良好的聽覺審美培養上。「這跟學音樂很像，」左興老師以音樂大師打了個比方。假設有一位鋼琴大師在任何空間中，或是在使用一臺不怎麽好的鋼琴時仍能彈奏出非常優美的音色，這位大師可能是在過去時曾彈過非常多的好琴，累積了很多演出經驗，有著厚實的音樂演奏根基，才有辦法在各種不同的音場、在使用不怎麽好的設備時，仍能依循著自己的經驗找出能呈現最佳音色的調整方式。如果他一直都用狀況很不好的樂器練習，也許就達不到這麼好的效果了。

則錄音、混音大師曾有許多在好的錄音工作室工作的經驗、曾使用許多好的監聽設備，讓他們在面對各種情況和條件時都能依循經驗找到規律、從容處理，而大師們的誕生，「絕對不是用一組簡單的喇叭長大的。」

隨後，左興老師分享了錄音師的工作分野與音樂製作的四個主要工作項目。錄音師的工作領域之廣，包含：野外如蟲鳴鳥叫聲的取樣、電影效果音、音樂（包含古典、爵士、金屬、嘻哈、搖滾等等）錄製等，而音樂製作的四個主要工作項目則可分為：

• Tracking 錄音（收音），把每一個聲音軌道錄進去；
• Editing （剪輯），將好的片段剪輯在一起，在這個階段中將會將現場的噪音進行處理、調整音準，是要對音軌進行『動刀手術』的環節；
• Mixing （混音），可比喻成對聲音料理、化妝、做造型的過程；
• Mastering，即母帶處理。

然而錄音師的工作不僅僅如此，偶爾還需要扮演如音樂總監的角色，邊讀著總譜，邊幫忙聆聽且提供演出者音樂上的意見。這也證實開頭所說的：「錄音師要懂音樂」，左興老師對於對古典音樂錄音很有經驗，但即使是在古典音樂的這個領域之中，也會有如純古典樂、融入其他音樂風格或加入電吉他等的跨領域古典音樂、交響樂等許多不一樣的分項。「這是一份蠻有意思的工作，」左興老師說道。依據錄音的目的會有著不一樣的錄音需求，每一次的工作都會是一次新的挑戰。

提及疫情期間他協助了多位欲參加國外大學甄試、比賽或國內獎學金甄選的學生錄音，而應甄試需求，相關音檔皆不能進行剪接或後製，而他就此過程中的觀察經驗，以錄音師及音樂家的角度給予了建議。

「大部分的人會覺得錄音比現場音樂會還緊張。」

如果在現場音樂會中發生了演奏的失誤，可以透過下一個音、下一個樂句，將聽眾的心救回來；然而錄音卻會將聲音連同失誤的部分永遠保存下來，因此音樂家在錄音時容易產生過度在意錄音成果是否完美而注意力被分散的狀況，在情緒被影響而體力有限的情況下，錄音成果只會每況愈下。

為什麼平日練習很順利，但一踏進錄音室卻會出錯不斷呢？

「這個問題和上臺很像。大家的注意力都聚焦在如何讓自己不要那麽緊張，但這個是無法控制的，最根本的解決方法是從平常練習方式開始改變。」

左興老師提到，許多人的練習習慣是每每演奏錯一個音，便自動重覆練習該小節，且僅僅重覆練習該小節。在某次歪打正着演奏正確之後，則往下繼續練習下一小節，直到又發生錯誤了，再次進入重覆練習同一小節的循環中。「分段練習」固然重要，然而在此之後得要將整首曲目由頭至尾練習，才能將整體音樂吸收、內化。解構、再建構。

「我覺得身為一個學樂器的人絕對不要只聽自己的樂器（的音樂）。」

左興老師分享道，他曾在一場大師班中聽及學員詢問大師平常都聽誰的專輯，或聽什麽音樂會，讓他感悟極深。他說，薩克斯風有很多改編自別的樂器的曲子，要多接觸其他樂器的曲子和音樂會，增廣自己的見聞。如若仔細聆聽大師們在講解樂器時，他們並不會從樂器的角度出發，而多是由音樂的角度切入。必須更為廣泛地接觸音樂、深度瞭解音樂，才能有更寬廣的想像空間，進行更為多元的音樂表現。

而左興老師也建議學子們可以多聆聽聲樂、鋼琴及樂團的音樂。聲樂結合了很多人文文化内涵，藝術根源也可由此得知；鋼琴是有完整和聲的樂器，比單旋律的器樂還具豐富的音樂性，可透過鋼琴作品窺聼大師們的思想；而樂團則因匯聚了多個聲部，配器、架構之龐大，使樂團作品中也不難見作曲家的才華。然而因國家文化有異，我們在聽西方聲樂曲目獲得的共鳴或許會相對地少一些，但這也不阻止大家欣賞音樂。

「最重要的是聆聽。」

藉此難得的機會，學員們積極地向他請教了他好一些管樂錄音相關的問題。

問及他對於管樂錄音『吸氣聲音』的想法，左興老師認為管樂錄音中有收錄吸氣的聲音是正常且蠻好的表現。如果覺得錄音中的吸氣聲過於明顯甚至嘈雜，可從兩點去探討並加以改善：音樂家可在日常觀察自己換氣的方式是否正確；而錄音師可觀察錄音空間的環境、麥克風的架設距離是否妥當。

而對於家中錄音空間的改造提問，左興老師建議可以利用房間中的家具協助吸音，如：衣櫃、書櫃、沙發、床、地毯、窗簾等都是很好的聲學裝置，低頻在穿過家具表面後被吸收而降低了在小空間中的「繞射現象」，進而形塑成更為良好的錄音環境。

這是左興老師對於如何減少錄音室或現場音樂會中表現失常情況所提供的建議。由日常練習開始，即使錄音設備不甚理想也無妨，錄下自己的聲音、聆聽、調整、再錄下聆聽……錄音，當然也包括混音：可以是成就一位音樂家的緣起，可以是過程（日常練習方式），可以是成果的展示（音樂會紀錄）。

回扣本次講座開場對於現代音樂家是否需要學習錄音及混音的提問，乃至最末管樂錄音細節與錄音空間佈置的諮詢，每一項何嘗不與這句話語密切關聯呢？

大學念的是心理系，畢業後到法國國立音樂院進修小提琴及室內樂，並獲得高級及卓越演奏文憑的左興，返台後，曾有一段時間從事小提琴的教學。一段非傳統音樂本科系的學習路程，給了他一個與眾不同的視野和觀念，從過去音樂演奏會上的錄音經驗，讓他在心底興起一股念頭，他篤信自己若能親自製作與錄製，肯定是能將現場的「聲音」優美地被收錄下來。

與太太一起經營的專業錄音室 ff studio， 可以說是全台灣最高規格、最高等級的錄音室，挑高六米的高度，以及空間多角度的反響設計牆面，找來國際知名設計師 John Sayers ，使得任何聲音（樂種）的表現突破錄音室的框架，猶如一座擁有完美回聲的音樂廳。

訪談中，左興也提到，其實「錄音」是近年左右才開始被獨立為一專門的科系，在 2000 年以前，一切還尚未被數位化的那個年代，即使是在 90 年代末期時的錄音，都還是使用盤帶，許多歷史經典的錄音，也都不是真的由專業的錄音師所錄製的；但到 2000 年後，數位化之於錄音產業，如同電子 3 C 產品對人們的生活所造成的影響一樣，相當地迅速且震撼。

然而，隨著錄音器材的進步，卻沒有反應同時在錄音師的素養上，因為在每個「聲響」的背後，是有更多「什麼是音樂？」的細節，這也是左興強調的 — — 關於音樂的美感，很多部分是無法經過學習錄音的技術而「聽見」，或理解的。

在錄音室的現場，左興也分享了幾個不同的錄音曲目，很明顯地就能比較出錄音師是否真正了解音樂的內涵、樂器演奏的表現，甚至是包含編曲的部分，許多和聲其實是不協調也不合理。錄音師不見得一定都要能夠讀譜，但最核心的東西，也是最基本的，就是對音樂美感的認知是否足夠。

過去的錄音市場其實是十分的壁壘分明，每個錄音室各自擅長的音樂類型都不同，錄製流行音樂的與古典樂的在操作上也不同的，甚至也有錄音師可能連基本的剪接都不會。而數位化之後，市場的需求也跟著改變，對以前的錄音師來說的挑戰也更大，當更多跨界的演奏組合跟曲目出現時，他們也變得適應不良。

除了音樂製作人的身份，同時也是小提琴演奏家的他，因為自己參與過不少跨界的演出，比一般的錄音師要有更多機會去接觸，也更加懂得要如何去處理，不同曲風或組合在錄音時所需要做出的調整。之前曾受左興的邀請，參與過一場在 ff studio 現場演奏的錄音，見識到裏頭那台德國製的，價值四百多萬的史坦威鋼琴的音色，在音控室內與錄音間所聽見的，就臨場感來說有些許的不同，但其音響效果已經超越許多一般的演奏廳。

接著，左興又談到關於錄音更深一層的看法，一般的錄音師頂多只能處理到麥克風之後的事情。不過，實際上在麥克風之前，其實有更多需要注意的事情，像是作品的編曲；當一些非古典音樂的製作或流行歌曲的編曲老師，他們並不懂和聲，這都還無關乎錄音品質的好壞，更多問題是在作品本身。

在「作品」之後，就是「演奏」。琴鍵上指甲的聲音，那些演奏樂器時的「雜音」，究竟在錄音時可不可以有，比例上又該留有多少才算正常？若不清楚樂器的演奏原理，甚至不常聽音樂的人，面對錄音時的「雜音」就會變得無法處理。有些錄音師可能只考慮去調整錄音器材的部分，或是去限制演奏者演奏時的姿勢，這些都非真正懂音樂的人會做出的處理。

要擔任一位錄音師，需要學會的技能很多，盡可能越多越好。就像是導演或總編輯的角色，他們都會有各自擅長的風格處理，但遇到越不熟悉的領域，相對也不容易掌握。

最終，還是要回歸到音樂的本質。品味與美感，往往才是最關鍵的點；錄音，終究還是一個媒介，技術跟器材仍會不斷更新和升級，若錄音師在「聽覺」的養成過程中，沒有足夠的訓練與養分，是無法做出有質感的錄音作品。

另外，從ff studio 錄音室的取名就可看出他們的堅持，源自於古典音樂的演奏中的表情術語：極強（fortissimo），同時也象徵著弦樂器琴身上左右兩邊對稱的「f」，還有錄音師們最喜歡的貝多芬「F」大調的第六號田園交響曲。

如此強烈而鮮明的訴求，也讓他們順利許多優秀的演奏家或音樂人合作，包含第十五屆俄國柴可夫斯基小提琴大賽的銀獎得主曾宇謙、伊莉莎白二獎得主成田達輝、長笛大師János Bálint、知名鋼琴家張欽全、大提琴家呂超倫及小號演奏家聶子旂等；跨界到電影圈的合作，錄製侯孝賢導演的《聶隱娘》獲得 2015 年坎城影展「最佳電影配樂獎」再到電玩、電視劇主題曲等，並入圍第三十屆金曲獎，這些不只是得獎的光環而已，更是對錄音品質最好的肯定

這也是唯有同時身為音樂家，並對音樂的美感有著絕對堅持的錄音師才會有的優異成果。即使唱片產業逐漸凋零，相信帶著「極強」性格的 ff studio，在未來持續會有更多高水準的錄音作品。

座落於台北市師大路的ff studio錄音室，是台灣第一間挑高六米的專業錄音室，以空間聲學的優勢成功顛覆傳統錄音室的錄音效果，該錄音室聘請曾在14個不同國家設計錄音室的國際知名設計師John Sayers親手設計聲學及空間，錄音空間 (Live Room) 挑高及多角的設計大幅減少了傳統錄音室必須避免聲音來回反彈的吸音處理，讓聲音有更自然寬廣的發揮，達到小型音樂廳的聲響效果。控制室 (Control Room) 也以全新的設計，保留了更多高頻的延伸性，更接近真實自然的監聽效果，所有錄音器材選用亦是最專業的等級。

為求錄音品質，ff studio更新購一台價值台幣四百多萬的德國漢堡製Steinway & Sons的演奏琴供錄音使用。自1853年以來，Steinway & Sons鋼琴已經成為了鋼琴音色、觸感、美學和投資價值的最高標準，全世界98%的音樂會藝術家、無數的鋼琴演奏家、作曲家和表演者都選擇Steinway & Sons鋼琴。

經營者是一對年輕的夫妻，兩個都是留學法國的海歸音樂家。其中負責人是在輔仁大學音樂系任教的左興老師，四歲開始學鋼琴，六歲學小提琴，高中唸的是第三類組，大學則是理學院的心理系畢業，畢業後遠赴法國國立音樂院主修小提琴及室內樂演奏並取得高級及卓越演奏文憑，接下來又轉職成為錄音師製作人。對於音樂及樂器聲響，他有著比一般錄音師更深的認知及鑑賞能力，也能給予錄音對象更專業的建議及溝通。他對於音樂的品質抱著極高的熱情，為求最好的錄音效果，不惜鉅額貸款創建了這一間氣宇非凡的錄音室。

成立一年多來，ff studio已成功吸引非常多音樂家來錄音，包含第十五屆俄國柴可夫斯基國際小提琴大賽銀獎得主（金獎從缺）的小提琴家曾宇謙、鋼琴家張欽全、大提琴家呂超倫、小號家聶子旂等國內知名音樂家。亦幫許多遠道而來的國際音樂家如俄國鋼琴家Nicolai SARATOVSKY、義大利鋼琴家Enrico POMPILI、法國長號家Nicolas MOUTIER等人錄音，錄音成品皆讓音樂家非常滿意。

流行的部分ff studio也沒有缺席，從電玩「Final Fantasy XV」原聲帶鋼琴家及電影「樓下的房客」作曲家林奕汎、電視劇「蘭陵王」主題曲作曲家V.K克、原住民歌手胡德夫、法國搖滾樂團KAON鼓手Benoit Bourlet都對錄音的效果讚譽有加。在ff studio錄製爵士鼓的搖滾樂團老貓偵探社，也得到第八屆金音創作獎最佳搖滾專輯。此外，ff studio更參與了2017台北世大運的開幕及閉幕音樂錄音，其錄音品質均獲得一致好評。

面對唱片業不景氣、低端宅錄盛行的今日，錄音業雖早已榮景不再，但ff studio仍然堅持著以最好的品質打入市場，以「好」作為新世代的經營策略。